ВИРТУАЛЬНАЯ ВЫСТАВКА

"АВТОПОРТРЕТЫ И ПОРТРЕТЫ КОСТРОМСКИХ ХУДОЖНИКОВ В ФОНДАХ КОСТРОМСКОГО  МУЗЕЯ-ЗАПОВЕДНИКА"

Любитеживопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно.

Н. Заболоцкий

Портрет как жанр в русской живописи – один из самых молодых. До начала XVIII века живопись развивалась в строгих рамках иконописи и стенного письма. Её героями были персонажи Библии, Евангелия, святые, мученики и подвижники веры. Их образы были идеализированы, их лица возведены в определенный тип-лик: юноша, средовек, старец. Борода и волосы – главные приметы индивидуальности облика, но и они были систематизированы. В иконописных подлинниках часто указывается борода «аки у Николы», то есть небольшая, окладистая или как у Василия Великого –длинная, клиновидная и т. д.

Первыми русскими портретистами, создававшими портреты современников и автопортреты стали «птенцы гнезда Петрова»: пенсионеры, отправленные Петром I для обучения живописи в Европу. Портреты же в Западной Европе писали еще со времен Рафаэля и Леонардо да Винчи. 
В открытой в 1757 году в Петербурге Академии художеств, первом учебном заведении России для подготовки художников, много внимания уделяли рисованию с натурщиков. Художники должны были уметь изображать человека в разных позах и ракурсах, знать пропорции и строение тела. Чтобы создать картину на исторический, библейский сюжет, где множество персонажей в сложных взаимосвязях, требуется воображение, композиционное мастерство. Основной задачей портретиста было передать сходство и узнаваемость. «Портретной» художник списывает лицо модели, его мундир, награды, в сущности, так же как учащиеся в натурном классе, потому в Академии художеств портрет считался самым низшим жанром.

Однако, время произвело переоценку, расставило свои приоритеты. Портреты донесли до нас облик и характер людей периода петровских реформ. «Списывая» с натуры, художник запечатлевал не только черты лица, но и характер модели со всеми достоинствами и недостатками, таким каким его сформировали жизнь и время. Незамысловатые погрудные, поясные и торжественно-парадные во весь рост портреты царствующих особ и вельмож – это срез общества, которого уже нет, но которое осталось навеки в памяти потомков благодаря неугомонной кисти живописцев. 
Автопортреты чрезвычайно важны для понимания творческих возможностей автора. Художник лучше всего знает себя не только физиономически, но прежде всего как личность с её духовной и душевной стороны, в проявлении чувств и эмоций. К тому же, работая над своим портретом, он может позволить себе некие отступления от правил, поиск новых средств выразительности в создании образа, что уж точно не вызовет обид и нареканий заказчика. Эксперимент, отработка индивидуальной манеры – все это позволительно в автопортрете.

В каждом художественном музее встречаются автопортреты художников, а также портреты их друзей, товарищей по профессии. Близость в понимании задач искусства, глубокое постижение характера модели, в том числе и через знание его творчества даёт автору свободу в создании образа. Собрат по искусству – это к тому же самый беспощадный критик, и потому в портретах художников так важны мастерство письма, индивидуальность стиля.

В коллекции костромского музея-заповедника оказалось 73 автопортрета и портрета местных художников с 1920-х до начала 2000-х годов. Это уникальное собрание, своего рода коллективный портрет творческих личностей, почти целый век создававших художественную культуру нашего края. Художники в провинции люди известные, неординарные. За их творчеством всегда следили знатоки и любители искусства и те, кто по должности должен был знать о всех и всё.

В нашей коллекции есть только один портретист, чье творчество началось еще в дореволюционной России. Шлеин (Шлейн) Николай Павлович. Ученик В. А. Серова по МУЖВЗ и В. Е. Маковского по Академии художеств. Большой мастер портретного этюда Шлеин писал портреты А. В. Луначарского, М. Горького и других современников. С такой же лёгкостью и безошибочностью каждого касания кисти написаны его автопортреты. Кажется, в них для мастера важно было передать возрастные изменения, так как в остальном он сохраняет привычную погрудную или поясную композицию, приёмы письма и даже выражение сосредоточенного внимания, характерное для художника, постоянно работающего с натуры.

Портрет Н. П. Шлеина в 1943 году писал его ученик и впоследствии его коллега по преподаванию в художественном училище М. Колесов. На стене, как в музее, висят картины. Привычная среда для старого мастера. Холодная зима военного 1943 года заставляла даже в доме утепляться и потому Шлеин в пальто на меху. Колесов повторил стилистику живописи учителя в колорите, приемах моделирования лица сближенными тонами, практически почти без теней. Таким для него был светлый образ Учителя.

Автопортрет И. И. Дубова (1920-е) Молодой художник тоже в полушубке. Он в мастерской, на мольберте холст, он пишет себя. Холодно. В портрете важны все детали, все элементы обстановки. Ничего случайного. Сейчас этот полушубок воспринимается как элемент исторической этнографии. Такие нарядные крестьянские полушубки шили на продажу костромские скорняки из овчины романовских овец, украшая вышивкой тамбуром и меховой выпушкой по вороту, на рукавах, карманах; по талии овчину пришивали в сборку (борами). И. Дубов, большесолец, и там на ярмарке, еще до Мировой войны мог быть приобретен этот праздничный полушубок.

В селе Большие Соли иконописью и иконостасной резьбой занимались многие. И Игнатий Дубов постигал иконописное ремесло, премудрости иконографии и символики в местной иконописной школе. И потому таким «говорящим» выглядит фон в его автопортрете. Наглухо закрытая дверь, стена разделена филёнкой по горизонтали на две части, нижняя чуть темнее верхней. Так принято было в те времена красить общественные интерьеры, но почему художник выбирает именно такой интерьер, холодный, пустынный? Ничего из художественного окружения. Как будто он случайно оказался в этом месте, где прошлое и будущее, как стена, разделены надвое и мало разнятся по цвету, а коричневая дверь отрезает выход. Что это? Так воспринимает художник себя и свое время? Он мог и не так трагично воспринимать свое положение, а может именно безысходность диктовала такое решение композиции. «Кому нужно это искусство, когда каждый борется с холодом, когда на рынок вынесено уже всё и неизвестно, что делать, как жить завтра?» Художник ответственен перед своим талантом. Без заказа и без модели есть только одна возможность не утратить мастерство – писать и писать себя, свой портрет.

Советская портретная живопись – явление уникальное. Личных заказов на портреты не было. Главный заказчик – государство. Портреты вождей революции, членов Политбюро коммунистической партии украшали кабинеты директоров во всех организациях, с ними шли на демонстрации. Местное отделение Художественного фонда имело портретный цех, в котором сухой кистью (сухотерка) создавались целые иконостасы героев труда. В Костроме эти портреты устанавливали на аллеях парка, у фонтана, на центральной площади, а так же в сельских клубах и дворцах культуры. На всех выставках от городских до всесоюзных были портреты рабочих, колхозников, нефтянников, шахтеров, сталеваров. Бригады художников отправлялись на стройки коммунизма. Создавался портрет-тип человека сильного, молодого с волевым лицом и открытым взглядом, часто в цехе, на стройке, на лесосеке и т. п. Такого масштаба социального заказа на портреты людей труда уже не будет. Без заказа художники писали портреты ученых, артистов, писателей – людей интеллектуального труда, просто интересных художнику как незаурядные личности, как значимыесовременники. 
Автопортрет, портрет художника обычно тоже имеет свой опознавательный знак – кисть, палитру. Иногда художник создает обстановочный портрет, портрет-картину, расширяя рамки жанра, где художник – просто персонаж того или иного сюжета.

А. П. Белых. «В апреле» (1969). На скамейке парка сидит юная мать и с увлечением рассматривает журнал, а рядом в коляске спит малыш. Это новый взгляд на вечный сюжет о материнстве, счастливом, спокойном, под мирным небом в солнечный день весны. 
Свой портрет А. П. Белых пишет в мастерской. Участник войны, боевой офицер, он носит орденские планки не по праздникам, на парадном костюме, а на повседневной модной куртке. Война не отпускает его, и на полотне начата картина на военную тему. Это уже не автопортрет, это образ художника, сменившего оружие войны на кисть живописца. В 1967 году он начал автопортрет, но в 1976, к 30-летнему юбилею победы, завершил его уже как картину «Офицер запаса».
В своем творчестве А. П. Белых вновь и вновь возвращается к военной тематике. Наверное, потому его дочь Люба для дипломной работы в институте им И. Е. Репина выбрала эту тему («Тишина». 1986. К 40-летию Победы). Мирное небо, покой на Руси. Широкой разлив рек, лесные дали и земля... с незаживающими ранами войны. Постаревший, но сохранивший подтянутость, военную выправку, отец стоит на краю окопа, на том рубеже, где стояли насмерть его однополчане. Он прошел через ураган войны, судьба подарила ему счастье остаться живым и рядом с ним, на краю обрыва стоит сосна, она тоже устояла перед снарядами, не согнулась перед бурями. Словно опасаясь нарушить священную тишину памятного места и глубину воспоминаний ветерана, художница написала картину в тонких переливах голубоватых и серебристо-серых тонов и ни одного всплеска ярких красок. Глубокое, проникновенное полотно. Портрет-картина – памятниквсем защитникам Отечества, жизнью заплатившим за тишину и мир в стране.

Т. В. Шувалова. «Автопортрет в мастерской» (1974) При первом взгляде на полотно, кажется, что эта нарядная женщина сидит за чайным столом и лишь на миг повернулась, с улыбкой встречая гостя. В этой красавице угадываются героини кустодиевских чаепитий. На столе празднично начищенный самовар, румяные баранки и молочник, сахарница. Заварочный чайник по русской традиции стоит наверху самовара. Красный рефлекс от подноса создает ощущение жара, только что вскипевшего самовара.

Только насладившись яркой декоративностью натюрморта, замечаешь, что празднично-нарядный стол – это картина, которую пишет художница. У неё в руке тюбик краски, а на табурете в банке стоят тонкие кисти. Это важная деталь. Портрет написан темперой, а она предполагает тонкое сплавленное письмо, как в иконе. Контраст света и тени на лице передает особую светозарность натуры Тани. 
Художница часто писала натюрморты. Цель своего искусства она определяла так: «Средствами живописи рассказать о таланте русского народа». Потому в натюрморте миска и ложки с хохломской росписью, жостовские подносы с пышными букетами цветов, тульский самовар. Татьяна Владимировна умело приводит в гармонию яркое многоцветье натюрморта и на его фоне белый костюм выглядит особенно нарядно. Художница всегда шла в мастерскую как на торжественную встречу, это её позиция, и потому в одежде –никаких послаблений.

Один из её последних портретов «Художник-ювелир П. И. Чулков с сыном» (1978 — 1980)Сложная композиция двойного портрета в домашней мастерской, на фоне пейзажа родного села, написанного на стене друзьями-художниками. Художница над портретом работала долго, продумана каждая деталь натюрморта,состоящего из авторских работ мастера. В лицах героев она сумела передать доброту и ласку отца, доверчивость и робость сына, принимающего из рук в руки инструмент, как символ традиции. В жизни оказалось все сложнее. Заслуженный художник ушёл из профессии и стал священником, за ним последовал сын. Эту глубокую духовную связь с сыном усмотрела художница и сделала главным мотивом портрета мастера.

Н. В. Шувалов – признанный авторитет среди костромских художников. Его талант сформировался в годы хрущевской оттепели, когда художники получили возможность видеть произведения мастеров художественного авангарда из собраний столичных музеев и появилась возможность выезда за рубеж. Как турист Н. В. Шувалов старался не упускать возможность побывать в музеях европейских стран и увидеть волнующую воображение сказку Востока. Под влиянием искусства этих стран он написал портреты жены«Луксорский портрет» (1971), «Индийский портрет» (находится в частном собрании).

Алексей Козлов и Владимир Муравьев были не просто друзьями Н. Шувалова, он считал их своими старшими братьями. Они вместе учились в шлеинском художественном училище, работали в портретном цехе местного Художественного фонда. Вместе пострадали на самоотчете 1954 года, когда их поиски выразительности и своего стиля подвергли резкому осуждению, обвинив в формализме. Н. В. Шувалов утверждал: «Я беру явление или вещь и пишу к ней эквивалент цвета, чувства, которое бы выразило это явление во всей полноте. Суть явлений разная, поэтому и выражения явлений разные по форме. Отсюда –разный язык, а не из желания блеснуть эффектом, оригинальностью: это стремление глубже захватить какие-либо слои интересующей меня жизни, попытка выразить их языком и средствами своего ремесла.»

В 1970 году он написал картину «Окраина». Новый микрорайон Черноречье угадывается в череде многоэтажек на горизонте. Это первый спальный район в Костроме, им гордился город, как символом нового быта. Художник словно объективом фотокамеры выхватил картинку из жизни этой городской окраины. У желтой бочки пива, так называемой «буренки», каждый раз как она появлялась на пустыре, собирался шумный круг почитателей этого пенного напитка. Предельно приблизив к переднему плану тесно сплоченную часть толпы, художник заставляет вглядеться в их лица, руки с кружками пива, бутылкой вина. Художник не осуждает, снисходительно вглядываясь в хмельные лица. Он и сам в этой же толпе с кружкой пива, его профиль со вздернутым носом и рыжей челкой легко узнаваем, несмотря на некоторую шаржированность. Картина вызвала бурю негодования и опять было общественное осуждение художника, не оценившего заботы власти о человеке труда. Предвидя это, Шувалов собрал в кадр только художников, а не подлинных обитателей этих "бетонных этажерок". В несколько гротесковых образах он изобразил своего друга В. Сироткина как главного героя. Сам он с ним рядом, о чём-то говорит с суровым мужчиной в черном берете. Это скульптор С. Д. Проненко. Н. В. Шувалов уважал всех участников войны, особенно этого отчаянного морского десантника. В красном берете – тоже участник войны Яков Гагарин. И все же картина –не групповой портрет. Гротеск позволил несколько абстрагироваться, содержание стало глубже. Для художника окраина – понятие не географическое. Кострома – это провинция, это окраина культуры, где интересы даже творческих людей ограничены, это окраина мира.

Портрет А. Козлова Н. В. Шувалов написал уже после смерти друга в 1979 году. Еще в студенческие годы он писал его портрет в образе Бетховена. Сходство с великим композитором ясно просматривалось в нервно-утонченном мужиковатом лице А. Козлова. Но в последнем портрете он создал романтический образ друга, взяв за основу его манеру письма и колорит, с напряженно звучащим красным и восходящим потоком чистого света, энергии, прорывающейся в космическое пространство. Только лицо, с четко вылеплеными, укрупненными чертами кажется законченным, а руки лишь эскизно намечены. Ещё писатель Ю. Куранов отмечал «совершенную прозрачнось, нежность руки Алексея, особенно когда он брал цветок или сухую, беззащитную былинку.» 
Художники Н. М. Смирнов, М. А. Салмов в разные годы писали портрет В. В. Окишова. Художников привлекло своеобразие его лица, сохранившего черты племенной общности, не стёртые столетиями ассимиляции. Каждый по своему передал душевное состояние модели.

Николай Смирнов, выпускник Суриковского института, к 1982 году уже сумел выработать свой стиль письма с основательной проработкой формы и композиции. В его портрете Окишов в мастерской, раскрыт этюдник, на полу – свернутый рулон бумаги, художник молод, полон планов, надежд. Он только что прибыл в Кострому. Портрет с изображением рук считается двойным портретом. Сомкнутые в замок руки, это не просто привычный для Окишова жест, художник подчеркивает замкнутость характера, его внутреннюю сосредоточенность. Контраст холодного окружения фона, голубой одежды и теплоты лица в какой-то степени не просто находка автора, кажется, он понял главное – нелегкое будущее молодого монументалиста в городе.

Прошло пять лет и продолжением биографии В. Окишова стал портрет работы Михаила Салмова. Красивый по цвету, он столь же мастерски написан, но в нем уже другой Окишов. Художник передает боль и отрешенность, крушение надежд и погруженность в себя.

В. В. Окишов. Автопортрет (1992). Еще через пять лет. Портрет погрудный, почти оглавый. Лицо крупным планом. Художник обнажает не только тело, но и душу. К обычной подписи-монограмме «ОВ» он добавил слова «Не забуду». В наколках на теле у зеков помнится всегда было продолжение фразы «мать родную». Что не хотел забыть автор? Возможно, действительно, родную мать. Ведь неслучайно такое грустное лицо, морщины на лбу, скривившийся рот. Фон портрета весьма красноречив: свет и тьма с разных сторон. Они делят жизнь надвое.

У Владимира Окишова своя манера письма. Он пишет лицо по охристой подкладке, проложенной тонко, сохраняя текстуру холста. Он краток: буквально несколько цветных штрихов и белила создают глубокий образ. В нём ёмкость видения внутреннего мира, мира боли, страдания. Он очень талантлив, но реализовать данный ему дар монументалиста в Костроме не мог, не имел заказов. 
То немногое, что из его работ попало в музей и на выставки, позволяет судить о том, что он отлично владел техникой фрески. Написанный им крошечный портрет Е. В. Радченко монументален по сути. Художник-текстильщик, мастер гобелена за работой. Натянутые на станке-раме нити, как струны арфы, и руки мастера перебирают нити знакомым движением музыканта. Руки

– главный инструмент ткача, и художник укрупняет, явно выделяя их, даже по отношению к голове. Крутой лоб и отброшенные назад кудрявые волосы вносят динамику творческого порыва при общей статике фигуры. А приглядывающий за разбежавшимися по полу клубками нитей чёрный кот вносит элемент иронии, гротеска. Он снижает пафос творческого горения до обыденной работы ткача. Даже выбор формата, близкого к картинам малых голландцев, гасит значимость происходящего до сцены повседневного труда.

«Себя как в зеркале я вижу, но это зеркало мне льстит» писал А. С. Пушкин о своём портрете работы О. А. Кипренского. Но это была не лесть, а сознание художником значимости поэта и его творчества для русской культуры. В каждом портрете в той или иной степени присутствует автор. Он пропускает через себя оценку личности портретируемого и таким образом создает образ времени. Оставляет для истории след своей манеры письма и стиля живописи, принятого временем, а если художник-новатор, то вносит свой вклад в саморазвитие искусства. Всё без лести, честно, в меру своего мастерства и таланта.

Ты вновь создал, волшебник милый,

Меня, питомца чистых муз,

И я смеюся над могилой,

Ушед навек от смертных уз.

С. С. Каткова

***

ГОРБУНОВ ЮРИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ (1933 г.р.)Живописец, график, сценограф, педагог. Родился в с. Налескино Нерехтского р-на Ивановский Промышленной обл. Учился в Костромском художественном училище (1949–1958) у М. С. Колесова, А. В. Саврасова, И. А. Козлова,К. И. Ильина, Харьковском художественном институте (1958–1964) у проф. Е. И. Егорова, проф. Б. В. Косарева. С 1964 по 1975 г. преподавал на художественно-графическом факультете КГУ им. Н. А. Некрасова, доцент. Член СХ СССР с 1974 г. Участник выставок с 1965 г.

Портрет художника И. А. Рябикова.

1980 Холст, масло. 70х50

 

 

***

КАТКОВ ВИКТОР СЕРГЕЕВИЧ (1940 г.р.)Живописец, график, монументалист, витражист. Родился в Кинешме Ивановской области. Учился в Костромском художественном училище им. Н. П. Шлеина и в Ивановском художественном училище (1959–1967) у И. Д. Калашникова. Член СХ СССР с 1976 г. Участник выставок с 1966 г.

Автопортрет. 1984.

Холст, масло. 54,5х43

 

***

ОКИШОВ ВЛАДИМИР ВАСИЛЬЕВИЧ (1950 г.р.)Живописец. Родился в г. Кирове. Учился в ЛВХПУ им. В. И. Мухиной (1975–1980).Член СХ России с 2001 г. Участник выставок с 1978 г.

Автопортрет. 1992

*Холст, масло. 54х49

 

***

РОЗАНОВ АЛЕКСЕЙ ИВАНОВИЧ (1914–1976)Живописец. Родился в Костроме. Учился в Костромском художественном училище (1930–1932) у Н. П. Шлеина,на рабфаке искусств при ВАХ (1934–1937). Участник выставок с 1946 г. Участник ВОВ.

Автопортрет. 1950-е – нач. 1960-х*

Холст, масло. 41,5х38

 

***

САЛМОВ МИХАИЛ АЛЕКСЕЕВИЧ (1951 г.р.)Живописец. Педагог. Заслуженный художник России (2011). Родился в Костроме. Учился в Московской средней художественной школе (1963–1969), Московском институте живописи, архитектуры и скульптуры им. В. И. Сурикова (1969–1975) у Д. К. Мочальского. Работал в творческой мастерской АХ СССР под руководством бр. С. П. и А. П. Ткачевых (1981–1984). С 1995 г. преподавал в КГУ им. Н. А. Некрасова на художественно-графическом факультете. Участник выставок с 1975 г. Член СX России с 1980 г.

Автопортрет. 1984

Холст, масло. 47х38,5

 

***

ЦАРНАХ БОРИС НИКОЛАЕВИЧ (1894–1938)Живописец. Родился в Костроме. Учился в Костромской художественной школе Н. П. Шлеина, в мастерских костромского художника А. П. Токарева (1914–1916), у Л. В. Туржанского и П. И. Келина (1924). Председатель Костромского объединения художников «Нео-Аргус» (1932). Член СХ с 1933 г. Участник выставок с 1917 г. Репрессирован. Расстрелян.Реабилитирован в 1964 г.

Автопортрет. 1931

Фанера, масло.

 

***

ШЕЛКОВ ОЛЕГ ДМИТРИЕВИЧ (1930 – 2013)Живописец, график, скульптор, монументалист. Родился в Кинешме Ивановской обл. Учился в Ивановском художественном училище (1948–1958) у И. Д. Калашникова, С. Н. Троицкого. Участник выставок с 1959 г.

Автопортрет. 1988

Холст, масло. 62х44

 

***

ШУВАЛОВ НИКОЛАЙ ВАСИЛЬЕВИЧ (1929–1984)Живописец, график. Родился в Костроме. Учился в Костромском художественном училище (1946–1949) у М. С. Колесова, Н. П. Шлеина, в МИПИДИ (1949–1953) у П. П. Соколова-Скаля, в ЛВХПУ (1954–1959) у П. Д. Бучкина, Г. А. Савинова. Преподавал в Костромском художественном училище (1954–1957). Член СХ СССР с 1968 г. Участник выставок с 1956 г.

Автопортрет в красном берете

1966 Картон, темпера. 69,5х59,5

 

Портрет художника Козлова Алексея Никифоровича. 1979

*Холст на фанере, масло. 90х95

 

Луксорский портрет*. 1971

Холст, темпера, масло100,5 х 70,7

 

***

ШУВАЛОВА ТАТЬЯНА ВЛАДИМИРОВНА (1929–1980)Живописец. Родилась в г. Фурманове Ивановской области. Училась в Костромском художественном училище (1949–1954) у М. С. Колесова. Член СХ СССР с 1968 г. Участница выставок с 1954 г.

Портрет П. И. Чулкова с сыном. 1978–1980

Холст на фанере, темпера, масло. 108х106